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Coaching, ¿te ayudo a subir?
¿Sujeto o predicado?
Técnicas de coaching aplicadas a la enseñanza musical. “Cuando un profesor enseña matemáticas a una niña de 10 años, ¿qué es lo importante: el profesor, las matemáticas o la niña?” ¡Muy buenos días!, hoy voy a hablarte de coaching, ese proceso que pone en el centro de toda actuación a la persona. O más bien de
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La vida como free lance, freelancer de la edad media
La vida como free lance
El origen del término free lance lo encontramos en el inglés ‘freelancer’ cuya traducción es ‘lancero libre’ y hace referencia a los mercenarios que durante la Edad Media ofrecían sus servicios a diferentes ejércitos en guerra. Afortunadamente, no es este significado al que me refiero cuando hablo de vivir de free lance. La traducción actual
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3 aprendizajes de Mindfulness
3 aprendizajes de Mindfulness para mejorar tu rendimiento y bienestar
En el último artículo sobre atención plena hablábamos de qué es Mindfulness, cuales son sus efectos y cómo puede cambiar nuestro estilo de vida. Realizar un entrenamiento de Mindfulness puede aportarnos ciertas habilidades para que el día a día como percusionista y persona sea más satisfactorio. Los programas de Midnfulness integran 3 tipos de ejercicios
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marimba solista
La marimba como instrumento solista e independiente
Empecemos con una pequeña reflexión. A lo largo del pasado siglo XX, la percusión despertó con más fuerza que nunca, dejando de ser únicamente un complemento de la orquesta y creando su propio espacio como solista dentro del mundo de la música clásica. Así pues, sabiendo el importante esfuerzo que se hubo de hacer para
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El pensador. ¿Educamos músicos o personas? Metodologías
¿Educamos músicos o educamos personas?
Presupongo lo que esperas encontrar en esta sección del blog: briconsejos didácticos para ser el mejor profesor de percusión, metodologías innovadoras que te permitirán dar clases más divertidas y colaborativas, y alguna que otra crítica al sistema educativo tradicional. Pero, aunque reconozco que es tentador aventurarse con esos briconsejos, me temo que, dado que no
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Director percusionista. La orquesta desde sus extremos
La orquesta desde sus extremos
Cómo experimento la percusión orquestal cuando estoy en la tarima del director. Queridos amantes de la percusión y de la música en general. Es un placer para mí poder escribir unas líneas en este blog y poder así aportar mis visiones y experiencias personales. ¡Que viva la interacción, el intercambio y el aprendizaje conjunto! Llevo
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Xilófono Imagen histórica
A propósito de los modales y del xilófono
El mítico director de orquesta Carlos Kleiber, en una carta a una joven directora americana que le solicitó consejo para orientar su carrera, se refería así a la técnica de dirección: “with a good technique, you can forget technique. If you know how to behave, you can misbehave. That’s fun! (At least, that’s my theory).”(Barber,
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Mindfulness
El aquí y ahora, lugar e instante donde colocar tu golpe
¿Te ha ocurrido alguna vez que mientras estás repitiendo algún ejercicio o fragmento, después de un tiempo, no sabes cómo ni cuánto tiempo has estado practicando? ¿Has notado alguna vez, antes de una actuación (examen, audición, prueba, concierto…), que tu mente se acelera pensando en cosas negativas? ¿Puede que, después de una intervención, tu percepción
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Orchester-Probespiel pruebas de orquesta alemana
Orchester-Probespiel
Inscribirse en una audición de orquesta alemana Cuando hace ya casi 10 años empecé a interesarme por academias de orquesta, principalmente en Alemania, me daba la sensación que hasta ese momento pocas personas que conocía habían andado ese camino. No sabía ni donde se publicaban las vacantes, ni cómo debía enviar mi solicitud, ni como
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Primer Encuentro Estatal Profesores Percusión
De los (Re)encuentros a las (Re)percusiones
Primer Encuentro Estatal de Profesores de Percusión Valencia, 10 y 11 de Marzo de 2018 Programa del Encuentro (pdf) Sábado, nueve en punto de la mañana. En el vestíbulo del Conservatorio Superior de Música de Valencia no cesa el goteo de percusionistas que van llenando poco a poco el recinto y se van formando los
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mujeres en las orquestas españolas
Mujeres en las orquestas españolas
Como parte de esta sociedad, nosotr@s, músicos, no podemos estar de espaldas a la actualidad. Y en este caso, no podemos estar de espaldas a un tiempo que promete situarnos a tod@s en nuestro merecido lugar: “Por un mundo donde seamos socialmente iguales, humanamente diferentes y totalmente libres” Rosa Luxemburgo, filósofa, activista, economista (1871-1919) Por
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foto representativa de innovación
Todos necesitamos innovación. Hasta los músicos.
– ¿Diga? – Buenas, ¿Kike? – Sí, soy yo. – Verás, te llamo de la Escuela de Música de Villamayor de Abajo. Estamos interesados en que vengas a hacer una conferencia. – ¡Genial! ¿De qué os interesa exactamente que hable? – Pues algo de innovación, de educación, inspiración…algo como lo de las charlas TED que
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Los timbales de la BOS en el Palacio Euskalduna
El arte de liderar, el arte de acompañar
La importancia de los timbales en la orquesta Una melodía preciosa suena en las cuerdas y en las maderas, y de tanto en tanto es acompañada por unos pizzicatos de chelo y contrabajo a los que tú, con toda la suavidad, en un piano delicado pero sonoro, te sumas ampliando así la duración, el sonido
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Baquetas y batutas, director percusionista
Baquetas y batutas
“Coge una baqueta y golpea un tambor con un movimiento muy veloz. A continuación repite el ejercicio haciendo un movimiento lento”. Así comenzaba uno de los capítulos iniciales del primer método de técnica de dirección que leí en mi vida, escrito por el Maestro japonés Hideo Saito. Después de leer esto y tras veinte años
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Empieza Goldenperc blog sobre percusión
Aquí empieza Goldenperc Blog
10 temáticas, 10 autores y 10 formas de hacerte llegar información y opinión sobre el mundo de la percusión. ¡Muy buenas, percusionistas! Y bienvenid@s al nuevo blog sobre percusión en español. Va a ser un blog un poco especial, la verdad, en el que cada semana escribirá una persona diferente y en el que vamos
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Últimos artículos

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¿Sujeto o predicado?

Coaching, ¿te ayudo a subir?

Técnicas de coaching aplicadas a la enseñanza musical.

“Cuando un profesor enseña matemáticas a una niña de 10 años, ¿qué es lo importante: el profesor, las matemáticas o la niña?”

¡Muy buenos días!, hoy voy a hablarte de coaching, ese proceso que pone en el centro de toda actuación a la persona. O más bien de cómo podemos aprovechar nosotr@s, l@s músicos, mucho de lo que el coaching nos ofrece y que otras disciplinas ya tienen totalmente integrado. Imagino que alguna vez has oído hablar a un deportista de su coach y el trabajo que hace con él. También es habitual escuchar hablar sobre coaching de parejas o coaching personal. Y en el mundo empresarial ya casi nadie escapa a la visita de un coach.

Pero ¿cuánto has oído hablar de coaching de músicos? Y eso que sí los hay, y algun@s muy buen@s.

Pero ¿qué es exactamente? Bueno, en lugar de copiarte aquí la definición de wikipedia y unas cuantas palabras técnicas, ¿qué te parece si empezamos a ver ejemplos?

¿Alguna vez te has hecho un DAFO a ti mismo?

Imaginemos que tu primera clase en el conservatorio el próximo curso fuera una entrevista. No para conocer tus datos personales o tu CV, sino para hablar contigo sobre los aspectos en los que crees que puedes destacar, lo que se te da mejor. Y también las cosas en las que crees que flojeas y que deberías mejorar o evitar. Pero además para tener una conversación sobre el estado actual de nuestra profesión, las diferentes salidas laborales, las opciones de futuro y sobre tus expectativas. Este sería algo similar al famoso SWOT o “análisis DAFO” (Debilidades, Amenazas, Fortalezas y Oportunidades), algo muy habitual o indispensable en otras disciplinas, pero en lo que pocas veces nos paramos a pensar, y que en cambio nos puede ayudar a tener una imagen mucho más nítida de cuál es nuestra realidad.

Entonces, ¿qué camino cojo para “crecer” en mi carrera?

Supongamos que después, paralelamente a las clases de instrumento, dispones de varias sesiones en las que se te pregunta por tus objetivos (y no me refiero a los objetivos del curso o de la asignatura, sino a TUS objetivos, como músico y como persona). ¿Qué quieres conseguir, qué necesitas mejorar, qué quieres hacer, quién quieres ser? Esto puede ser desde lo más mínimo o cercano en el tiempo hasta lo que quieres a largo plazo, pero por supuesto debería estar alineado con tu DAFO (si no, podríamos encontrarnos el caso de un estudiante que prepara oposiciones para conservatorio pero que admite que no soporta a los niños, o alguien con una gran capacidad para hablar en público que en cambio nunca se ha planteado ofrecer conferencias).

Para buscar ese camino tenemos lo que se llama “técnicas estructurales” o métodos con nombres bonitos como: GROW, ACHIEVE u OUTCOMES (ya sabes que a los americanos les encantan los acrónimos, en este caso retroacrónimos; por ejemplo GROW (crecer) vendría de Goal (Objetivo), Reality (Realidad) , Options (Opciones) and Will (Acción)) , que nos ofrecen autores como Graham Alexander y John Whitmore (2004), Sabine Dembkowski y Fiona Eldridge (2002-2003) y Allan Mackintosh (2003) respectivamente, y que en definitiva son diferentes métodos para diseñar un plan de acción que permita cubrir ese camino entre el HOY y TUS OBJETIVOS. Digamos que en todos ellos se plantean, en distinto orden y con más o menos escalas, los pasos a seguir para conocer tu realidad, planificar tus objetivos, analizar las distintas opciones para ir a por ellos y establecer el plan de acción adecuado. Una vez más, todo ello alineado con tu DAFO.

Pero, ¿son tus objetivos “inteligentes”?

Y es que éste es mi retroacrónimo favorito: ¡SMART, PURE, CLEAR! Esta técnica para establecer objetivos nos ayuda a que éstos sean de verdad los que deberíamos perseguir. Por ejemplo, ¿sería un buen objetivo “quiero ser feliz en la vida”? Muy bonito, pero difícilmente comprobable o medible. Para poder perseguir un objetivo éste debe ser medible, estar marcado y limitado en el tiempo, ser claro y específico, suponer un reto, depender de ti mismo, ser realista y alcanzable para ti…

En lugar de explicarlo exhaustivamente (que ya habrá tiempo para ello) os dejo una imagen que ilustra a la perfección todos los “controles” que debería pasar la formulación de un objetivo.

smart, pure, clear

Volvamos a la persona… volvamos a ti.

Y es que hay una gran cantidad de retos “personales” que todavía nos quedan por tratar, como la gestión de nuestro tiempo, la gestión del talento o la gestión de las emociones.

Si alguna vez has tenido la sensación de que el tiempo de estudio pasa volando y no te da tiempo a nada; si a veces te invade la sensación de que no deberías dedicarte a esto; si dudas de tu talento y te comparas constantemente con tus compañer@s; entonces sabes de lo que hablo.

La buena noticia es que todo esto está estudiado y hay recursos para todo. La mala, que todo depende de ti (¿o esa es buena?).

Esto es lo que hace un proceso de coaching: coloca a la persona frente al espejo observándose, preguntándose y tomando decisiones. Hace dueño a cada un@ de nosotr@s de nuestras decisiones, nuestros éxitos y nuestros intentos. Desde luego que hay técnicas y habilidades que nos ayudarán, y para ello, un buen coach maneja diferentes técnicas personales, exploratorias y de aprendizaje; dinámicas de grupo y herramientas para mejorar la autoconciencia y el autoconocimiento; técnicas de reencuadre verbal y control del lenguaje no verbal. Pero un buen coach sobre todo sabe que el protagonista de toda la historia siempre es la persona.

La resistencia.

Eso sí, cuídate de ti mism@. Y es que éste es un concepto muy interesante del que tenemos que hablar pronto: “la resistencia“. Viene a explicar cómo muchas veces nosotr@s somos los mejores boicoteadores inconscientes de nuestro propio cambio. Sin darnos cuentas, somos especialistas en poner trabas, excusas infundadas o explicaciones irreales que acaban impidiéndonos alcanzar nuestros objetivos, y muchas veces provocan frustración y desmotivación.

Esto es totalmente normal y muchas más habitual de lo que piensas. Justo por eso es tan interesante la ayuda de un coach que te inste a analizar todas esas trabas, hacerte consciente de ellas y ayudarte a superarlas.

¿Reflexionamos junt@s?

Se trata sobre todo de mirarnos tod@s al espejo. Tú y yo, alumn@s, y tú y yo, profesor@s. Y de decidir si estamos satisfechos con lo que estamos haciendo como alumn@s y con lo que estamos haciendo comoprofesor@s.

Y si encontramos una rendija, en tanto que podamos incorporar a nuestro día a día ciertas técnicas y conductas que pongan de una vez por todas al individuo en el centro de la conversación, y que por favor desplace por fin al profesor, su ego, sus frustraciones y sus necesidades al mero plano de guía o acompañante… Cuando la niña deje de ser complemento indirecto en la frase del principio para convertirse en el directo, habremos dado un gran paso. Pero el paso definitivo lo daremos cuando por fin, la niña pase a ser EL SUJETO ACTIVO.

Porque, si no hay niña, ni las matemáticas ni el profesor tienen sentido.

La misión última del coach.

Y mientras reflexionamos podemos empezar a hablar, discutir y preguntarnos muchas cosas. Pero por el momento hoy acabaré con una frase que repito a mi hijo de 4 años cada vez que me dice: “Yo puedo solo, que soy muy fuerte”. Y es que… “Es verdad, eres muy fuerte, pero a veces todos, incluso los más fuertes, necesitamos un poco de ayuda. Así que si quieres dame la mano que te ayudo…

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La vida como free lance

La vida como free lance, freelancer de la edad media

El origen del término free lance lo encontramos en el inglés ‘freelancer’ cuya traducción es ‘lancero libre’ y hace referencia a los mercenarios que durante la Edad Media ofrecían sus servicios a diferentes ejércitos en guerra. Afortunadamente, no es este significado al que me refiero cuando hablo de vivir de free lance. La traducción actual al castellano sería ‘autónomo’, ‘trabajador independiente’ o ‘trabajador por libre’.

Actualmente vivo en Londres como timbalero-percusionista free lance. No era la situación que me imaginaba cuando era un joven estudiante de conservatorio y decidí ser músico profesional. Creo que es fascinante el hecho de que en nuestra profesión a veces elegimos nuestro destino, pero muchas otras es el destino el que elige por nosotros. Conocí a mi pareja en la joven orquesta Gustav Mahler. Ella acababa de terminar sus estudios en Londres y ya estaba empezando a trabajar. En esa época yo no tenía un plan muy específico, por lo que irme allí a seguir mi formación parecía una buena opción.

Es curioso pensar que al final ha sido mi situación personal la que ha contribuido a mi futuro profesional. Cuando en una pareja los dos son músicos, es muy difícil encontrar un lugar en el que ambos puedan tener un trabajo gratificante y satisfactorio. Hemos tenido oportunidades en otras ciudades pero Londres ha sido el lugar que nos ha ofrecido la posibilidad de poder vivir juntos y seguir con nuestra formación profesional.

Lo que más me sorprendió al llegar fue la cantidad de músicos trabajando en esta situación: están los jóvenes que acaban de terminar sus estudios e intentan buscar un hueco en el mundo profesional, pero también existen muchos otros con experiencia, de mayor edad, con familia, etc. que están en esta situación, y esto algo que no estamos acostumbrados a ver en España.

Las zonas en Inglaterra donde hay actividad free lance son el norte (alrededor de Liverpool y Manchester), la zona central (en Birmingham) y Londres. Éste último es un caso especialmente único, puesto que solo en Londres hay más de una veintena de orquestas profesionales, tanto sinfónicas y de cámara, como de ópera. Y después está el conocido West End donde también existen alrededor de una veintena de musicales con sus respectivas orquestas. Todas estas formaciones tienen su plantilla fija y una lista de refuerzos que se utiliza regularmente.

A parte del trabajo de interpretación debemos añadir la gran cantidad de oportunidades en educación. Hay escuelas de música independientes, y además en toda Inglaterra existe la singularidad de que el sistema educativo permite recibir clases de instrumento en horario escolar. Estas clases deben tener un sistema de rotación para que no sea siempre a la misma hora y el alumno no pierda siempre la misma asignatura (por ejemplo, matemáticas, lenguaje, historia etc.).

En mi opinión dar clases es una parte muy importante para nuestra formación profesional, pero especialmente siendo free lance, puesto que es fundamental tener algo seguro y estable a nivel económico.

Me gustaría destacar el hecho de que en Inglaterra hay mucha flexibilidad en el mundo laboral. Por ejemplo, en el caso de dar clases, las escuelas permiten que los profesores compaginen su trabajo docente con el de la interpretación. Aceptan el hecho que estas experiencias fuera de la docencia enriquecen a los profesores y como consecuencia benefician también a los alumnos. Otro ejemplo sería ver músicos titulares de algunas orquestas tocando de free lance en otras de forma habitual. Pienso que esta flexibilidad y libertad beneficia tanto a la calidad de las orquestas como al enriquecimiento de los mismos músicos.

A nivel general podría señalar las siguientes ventajas del trabajo free lance: variedad de trabajo con diferentes salas de concierto, músicos y de diferentes especialidades; poder concentrarse en el aspecto puramente musical y no estar involucrado en aspectos personales o políticos; sensación de desarrollo personal y musical continuo, emocionante por la imprevisibilidad del futuro y que para cierto tipo de persona puede ser motivador el hecho de tener siempre que mantener y demostrar un cierto nivel para que sigan contando con nosotros.

Como desventajas destacaría la inseguridad laboral, la dificultad de planificarse al no saber con mucha antelación cuando vas a tener trabajo y la sensación de no pertenecer a ningún sitio.

También me gustaría reseñar el hecho de que cada persona puede tener una situación muy diferente a otra. Depende de si tienes mucha oferta de trabajo, si estás muy establecido en ciertas orquestas o grupos, etc., por lo que cada caso es diferente. Por ejemplo, hay casos de personas que han sido miembros titulares de una orquesta y han decidido dejarla, trabajar de free lance y encontrar así mayor satisfacción. Pero también hay casos de personas que no han encontrado un buen equilibrio laboral y han tenido que cambiar su carrera profesional.

Me gustaría destacar algo que creo que es muy importante. En Inglaterra, a diferencia de otros países, se tiene una visión muy respetable del músico free lance. Siempre te sientes muy valorado en las orquestas y raramente se te trata con inferioridad. Hay incluso situaciones en las que se te ofrecen los papeles con mayor responsabilidad, dependiendo de la reputación del músico en cuestión.

Sin lugar a dudas, lo más importante es siempre actuar de la forma más profesional posible, pero es muy importante también el saber encajar a nivel social. Mantener una actitud positiva y hacer sentir a la gente que estás contento de estar allí. Tener flexibilidad y aceptar correcciones del solista de sección, pero a la vez demostrar confianza en ti mismo. El trabajo está siempre en constante cambio por lo que es importante ser flexible, dinámico y preventivo. Sería recomendable tener varias opciones sobre la marcha y siempre tener proyectos y objetivos a corto, medio y largo plazo.

Para finalizar el artículo me gustaría destacar que la situación laboral del músico nunca va a ser un camino de rosas. Quiero animar a los que van a empezar su camino profesional a mantener una mentalidad abierta ante su futuro. Una de las ventajas de nuestra profesión es el amplio rango de posibilidades además de la interpretación, como por ejemplo la docencia, composición, dirección, etc. Creo firmemente que si hay talento, pasión, actitud correcta y perseverancia, siempre habrá un hueco profesional reservado para nosotros.

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3 aprendizajes de Mindfulness para mejorar tu rendimiento y bienestar

3 aprendizajes de Mindfulness

En el último artículo sobre atención plena hablábamos de qué es Mindfulness, cuales son sus efectos y cómo puede cambiar nuestro estilo de vida. Realizar un entrenamiento de Mindfulness puede aportarnos ciertas habilidades para que el día a día como percusionista y persona sea más satisfactorio.

Los programas de Midnfulness integran 3 tipos de ejercicios que se recomienda realizar durante 6 días a la semana, con una duración de entre 10 y 45 minutos y que se pueden realizar en quietud o en movimiento: prácticas de observación, son ejercicios que estando en quietud o en movimiento se adopta una actitud abierta para observar sensaciones producidas por elementos como la respiración y partes del cuerpo. Por otro lado tenemos las prácticas generativas, ejercicios donde se genera un estado mental de forma intencionada mediante recuerdos. Y por último, existen las prácticas de monitoreo abierto, ejercicios en los que se practica seguir con la conciencia el recorrido de la mente, sin intentar centrar la atención de forma intencionada.

Estas prácticas formales descritas, están diseñadas para adquirir ciertas habilidades que nos ayudarán a profundizar en nuestro auto-conocimiento y auto-conexión, para abordar nuestro día a día con otra perspectiva, con más presencia en el aquí y ahora y percibiendo la “experiencia de vivir” tal y como es. Para eso, el entrenamiento también integra unas prácticas informales, precisamente para ir integrando en la rutina diaria los conocimientos adquiridos con los ejercicios de carácter formal.

¿Pero cuales son esas habilidades?

La atención

3 aprendizajes de Mindfulness. Atención

Gracias a los ejercicios de un entrenamiento Mindfulness podemos aumentar nuestra capacidad de mantener la atención en un solo objeto (estudio, estudio), haciendo que las distracciones sean menos frecuentes y de menor duración, un factor importante en la vida de un percusionista, bien en la práctica diaria (mayor rendimiento) o bien en el momento de la actuación (eficacia). No solo eso, también puede cambiar nuestra manera de relacionarnos con la distracción, con una actitud amable y de no juicio podemos conseguir que esa distracción pierda importancia, sin quedarnos atrapados en los pensamientos producidos por ese hecho, considerando un proceso natural de la mente.

Conciencia corporal e influencia del cuerpo en los pensamientos

3 aprendizajes de Mindfulness. Conciencia corporal

Una de las herramientas más influyentes para un percusionista podemos decir que es su cuerpo. En cada golpe que realizamos, intervienen varias partes del cuerpo, bien sea tocando el triángulo, un bombo sinfónico o una marimba. Por lo tanto, podemos decir que es de suma importancia tener una conciencia corporal que nos aporte información de cómo estamos y sentimos el cuerpo, para adecuar nuestra posición y expresión corporal y realizar un movimiento adecuado. En este aspecto, el entrenamiento de Mindfulness puede ser un medio práctico para mejorar nuestra conciencia corporal (estudio sobre mejora de la conciencia interoceptiva). Tener más información sobre nuestro cuerpo también nos puede permitir tener más control sobre ello, realizar movimientos y adecuar posiciones que tengan un efecto positivo mentalmente, ya que se ha demostrado que el cuerpo influye en los pensamientos (estudio).

La aceptación

3 aprendizajes de Mindfulness. Aceptación

Gracias a la práctica de ejercicios de Mindfulness, realizados con una actitud de observar las cosas tal y como son, sin intentar cambiarlas (con aceptación) y con mentalidad abierta, se puede adquirir una habilidad muy importante para afrontar los retos de un percusionista: aceptándonos tal y como somos, los objetivos que diseñemos serán más realistas y alcanzables, pudiendo sentirnos más satisfechos con el trabajo realizado. Esa actitud de aceptación también puede ser una poderosa cualidad a la hora de afrontar situaciones en la que realizamos alguna intervención “incorrecta” (situaciones inevitables como personas que somos), ya que la actitud de aceptar la situación, aunque no sea agradable, nos ayudará a reaccionar con más creatividad y rapidez (estudio sobre menor reactividad emocional) y no quedarnos atrapados en los pensamientos producidos por esa situación no deseada, dejando para otro momento la reflexión y planteamiento de soluciones para prevenir futuras situaciones similares.

La integración de estos aprendizajes en nuestras labores como percusionista puede mejorar nuestro rendimiento gracias a la mayor capacidad de concentración, mayor conciencia y control sobre nuestro cuerpo pudiendo actuar con más precisión y aumentar nuestra creatividad mediante una actitud de aceptación y no juicio. Con la ventaja de que todo esto supondría una mayor satisfacción y bienestar personal, influyendo directamente en nuestra felicidad.

Por una vida plena de atención.

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La marimba como instrumento solista e independiente

marimba solista

Empecemos con una pequeña reflexión. A lo largo del pasado siglo XX, la percusión despertó con más fuerza que nunca, dejando de ser únicamente un complemento de la orquesta y creando su propio espacio como solista dentro del mundo de la música clásica. Así pues, sabiendo el importante esfuerzo que se hubo de hacer para que esto sucediese, es lógico pensar que la mejor manera de lograrlo era trabajar con el concepto de percusión como familia de instrumentos en la cual se agruparan todos los que hoy en día conocemos. De esa manera y gracias al trabajo de muchos y grandes músicos se consiguió crear este nuevo espacio para todos nosotros.

Teniendo esto en cuenta, la pregunta sería la siguiente: si en aquel momento los percusionistas lucharon por que su instrumento tuviese un lugar independiente donde poderse desarrollar, ¿no es lógico que después de un siglo de grandes avances -tanto en los propios instrumentos como en el repertorio- la marimba demande su propio espacio para desarrollarse como solista?

Tras más de una década trabajando codo con codo con marimbistas y percusionistas de todo el mundo, he podido observar cómo está surgiendo una nueva generación de percusionistas que abogan por facilitar la creación de espacios diferenciados para aquellos instrumentos de la familia de la percusión que desean crear y fomentar un nuevo futuro de manera independiente.

Hay que dejar claro que esto no va en contra de la idea de “percusión como familia de instrumentos”, como un conjunto, ya que la percusión es la familia con más colores y texturas que existe debido a su amplio abanico de instrumentos y posibilidades. Pero también es cierto que no por ello debemos mantenernos siempre como tal, pues tanto los instrumentos como su repertorio y los intérpretes han seguido creciendo, mejorando, y cada vez más se requiere de una especialización en ciertos ámbitos de la percusión. Llega un momento en que se hace realmente complejo llegar a controlar cada uno de estos instrumentos al más alto nivel y en todos sus estilos. Existen ejemplos más allá de la marimba: percusionista de orquesta, timbal de orquesta, vibrafonista, etc. De un modo u otro ya detectamos cómo esta especialización está llegando y viene por muchos flancos.

En el caso de la marimba, era de esperar. Desde la segunda mitad del pasado siglo han surgido grandes nombres de marimbistas especializados en este instrumento, tales como Keiko Abe, Leigh H. Stevens, Gordon Stout, Nancy Zeltsman, Katarzyna Myćka, Momoko Kamiya, Bogdan Bacanu o Pius Cheung, por nombrar algunos. Todos ellos han aportado algo nuevo a la marimba, tanto a la propia fisionomía del instrumento como a sus diferentes técnicas, interpretaciones e incluso al repertorio, ya sea de forma directa -es decir, componiendo ellos mismos para el instrumento- o de forma indirecta -trabajando estrechamente con compositores que escriban para nuestro instrumento.

Por otro lado, las propias marcas de marimbas han tratado de mejorar el instrumento contando con el consejo de los artistas, identificando las carencias con las que los marimbistas se encontraban en su día a día e intentando que el instrumento fuera cada vez más sofisticado. Estamos hablando de muchas marcas, pero tal vez podríamos destacar entre todas ellas algunas como Adams, Marimba One, Yamaha o Malletech, que por su trayectoria y experiencia a lo largo de los años han llegado a hacer grandes avances en aspectos como la proyección del sonido, las diferentes texturas, la respuesta de las láminas a la intención del artista, la disposición y amplitud del teclado para una mayor comodidad -teniendo en cuenta sus grandes dimensiones-, así como la amplia gama de baquetas de marimba que podemos encontrar en el mercado, con diferentes lanas, formas, peso, etc. Todo ello ha despertado la idea en nuestra mente de que todavía hay mucho que descubrir en este instrumento y muchos aspectos que concretar al respecto.

Otro de los aspectos que han propiciado la especialización en este instrumento ha sido el rápido desarrollo del repertorio. Especialmente en las dos últimas décadas, hemos visto como el repertorio para marimba no sólo ha crecido exponencialmente en número, sino que también los recursos técnicos compositivos se han desarrollado a gran escala. Esto supone para el intérprete una profunda investigación, con el consecuente descubrimiento del propio cuerpo del marimbista y sus posibilidades para adaptarse a este nuevo presente. Es por ello que hoy en día ya no me atrevo a hablar de “técnicas” de la marimba, ya que muchas veces esta palabra parece limitarse a la técnica Independiente (Stevens y Musser) o Cruzada (Tradicional y Burton), incluyendo en ellas los conceptos correspondientes no sólo a los aspectos más puramente técnicos -en lo que a aspectos del grip se refiere-, sino también sonoros e interpretativos. Pero lo cierto es que desde que estas técnicas fueron creadas hasta la actualidad han surgido muchas variantes de éstas, lo que ha generado que dos marimbistas con una misma “técnica” tengan estilos completamente diferentes. Es fácil observar la diferencia entre Michael Burritt y Bogdan Bacanu, ambos con técnica Independiente pero estilos absolutamente diferentes, o por otro lado a Katarzyna Myćka y Keiko Abe, ambas con técnica Cruzada. Por esta razón, en el futuro hablaré de “escuelas” para referirme a los conceptos musicales y sonoros, y de “técnicas” para los conceptos más específicos de un grip concreto.

Para concluir, me gustaría plantear varias preguntas: ¿qué hubiese sucedido si el pianoforte de la época de Mozart nunca hubiera evolucionado hasta obtener la sofisticación -tanto del repertorio como del instrumento- que en la actualidad conocemos? Si incluso hoy en día vemos como Daniel Barenboim o Valentina Lisitsa trabajan -tanto con compositores como con sus relativas marcas de piano- para seguir avanzando y desarrollando el instrumento, ¿por qué asustarnos tanto cuando se refiere a la marimba? Tal vez este crecimiento exponencial en tan poco tiempo nos hace temer el no poder mantenernos siempre al máximo nivel en todos los instrumentos. ¿Por qué no repartir el trabajo y entre todos hacer que la percusión siga evolucionando, sin la necesidad de que una sola persona tenga obligatoriamente la responsabilidad sobre todos los instrumentos?

Si tenemos en nuestras manos la posibilidad de crear un futuro mejor y más rico para la marimba, como amantes de la percusión que somos, ¿por qué habríamos de negarnos a hacerlo?

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¿Educamos músicos o educamos personas?

El pensador. ¿Educamos músicos o personas? Metodologías

Presupongo lo que esperas encontrar en esta sección del blog: briconsejos didácticos para ser el mejor profesor de percusión, metodologías innovadoras que te permitirán dar clases más divertidas y colaborativas, y alguna que otra crítica al sistema educativo tradicional. Pero, aunque reconozco que es tentador aventurarse con esos briconsejos, me temo que, dado que no soy docente en activo, lo evitaré. O al menos, como dijo el filósofo B. Simpson: “no prometo que lo intentaré, pero intentaré intentarlo”.

Y es que la innovación no solo se produce cuando se dan nuevas respuestas a preguntas ya existentes, sino también cuando se cambian las preguntas sobre las que asentamos nuestras convenciones.

Por ello, invierto bastante tiempo en asistir a eventos y congresos sobre educación, donde se habla de “los nuevos retos del siglo XXI”, el avance de la tecnología, las demandas laborales de competencias como el trabajo en equipo o la creatividad, o el anacronismo que se produce cuando mantenemos aulas que simulan las fábricas de la Revolución Industrial.

Si extrapolamos esto al mundo de la música y, en concreto de la percusión, escucharemos argumentos como que no todos los alumnos tocarán en orquestas, que no solo tienen que aprender música clásica, o que la gran mayoría no serán solistas internacionales. Incluso con un poco de suerte, oiremos hablar de la felicidad, las emociones y la autonomía de los alumnos.

Y aquí, es donde hoy echo el freno.

Imaginemos por un momento que, en lugar de pensar en un alumno de percusión, hablamos de un alumno de Economía. Imaginemos a un estudiante de 19 años que confía en que la felicidad reside en los bienes materiales, en el dinero (algo mucho más común de lo que, por desgracia, creemos). Imaginemos que además tiene talento para conseguirlo, que se esfuerza, trabaja y es autónomo. Imaginemos que, a los 30 años, ya ha conseguido su objetivo de ser un gran empresario feliz. Pero imaginemos también que ese joven sea lo diametralmente opuesto a lo que comúnmente conocemos como una “buena persona”. ¿Es productivo? Sí. ¿Es feliz? Por supuesto. ¿Es autónomo? A más no poder. ¿Es un éxito del sistema educativo?

Y ahora que hemos mirado en casa de otro, volvamos a nuestra aula de conservatorio. ¿Es un éxito educativo un gran solista internacional sin escrúpulos?, ¿lo es un futuro profesor de música carente de empatía?, y por tanto, ¿la misión del sistema es educar músicos o educar personas? De nuevo, supongo que hay cuórum, ¿verdad?

Pero ahora viene la pregunta trampa, el salto de la teoría a la praxis: en tu última clase de percusión, ¿qué estrategias seguiste para convertir a tu alumno en una mejor persona?, ¿son estrategias concretas como los ejercicios y obras que con tanta precisión mandas a tu alumno?, ¿evalúas esas competencias?, ¿simplemente las calificas?.

Por desgracia, creo que ninguno de los aquí presentes podemos asegurar con total honestidad que, tanto siendo estudiantes como siendo profesores, nuestras respuestas sean 100% positivas.

Los famosos “retos del siglo XXI” no son tecnológicos. O no solo. Llevamos 18 años de siglo XXI y se me ocurren cientos de ellos: desigualdad económica, diversidad cultural, problemas acarreados por la interconectividad, movimientos demográficos, urbanización, machismo, cambios en la espiritualidad de las sociedades, ética de los avances científicos…

¿Estamos enseñando a nuestros alumnos a poder afrontar esos retos? Y por favor, si la respuesta es “esa no es mi labor”, permíteme que insista: ¿y de quién es?. ¿Acaso no es el profesor de instrumento una de las principales referencias a seguir por un alumno?

Sea como sea, no sufras por la dificultad de estas preguntas. El reto de crear un sistema educativo que forme ciudadanos libres, éticos y que creen un mundo mejor, pese a sonar a Paulo Coelho, tiene muchos años. De hecho, ya se inventó una disciplina que, pese a no estar muy de moda, ya trabajaba por dar respuesta a estas preguntas: la Filosofía.

Schopenhauer ya se preocupaba por el sufrimiento relacionado con el deseo inherente al ser humano, mientras que Nietzsche ya cuestionaba los problemas que acarrean los cambios religiosos y espirituales en una sociedad. Hasta Aristóteles le dio tantas vueltas que acabó aludiendo a lo último que se pierde: “la esperanza es el sueño del hombre despierto”.

Hablemos de innovación educativa, sí, pero no innovemos en el “cómo educamos”, puesto que eso es fácil (busca en Google “metodologías activas”, “gamificación” y “trabajo por proyectos” y te ahorrarás muchos posts de mi sección), innovemos en el “para qué educamos”.

Y para empezar, hagamos un pequeño ejercicio de metacognición: antes y después de tu próxima clase de percusión, pregúntate “¿hoy qué hago, educo músicos o educo personas?”.

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La orquesta desde sus extremos

Director percusionista. La orquesta desde sus extremos

Cómo experimento la percusión orquestal cuando estoy en la tarima del director.

Queridos amantes de la percusión y de la música en general. Es un placer para mí poder escribir unas líneas en este blog y poder así aportar mis visiones y experiencias personales. ¡Que viva la interacción, el intercambio y el aprendizaje conjunto!

Llevo casi toda mi vida dedicada a la música, y en concreto a la percusión. Desde 2011 trabajo como solista de percusión en la Orquesta Sinfónica de Amberes (Bélgica) y en los últimos años mi carrera ha tomado el rumbo de la dirección de orquesta. Es por esta razón que mi post no tendrá un contenido educativo en su enfoque, sino que será más un texto donde compartir experiencias vividas que nos puedan hacer pensar a todos. Espero que sea interesante.

Una de las primeras cosas que nos quedan claras durante nuestras primeras veces en un escenario (bien sea para tocar en una orquesta profesional, una amateur, banda, etc.) es que nada tiene que ver con la experiencia de estudiar o prepararse en casa, escuela o conservatorio. Y es que una de las grandes razones por las que decidí dedicarme a este maravilloso ‘mundo’, es la necesidad de interacción con otros músicos, profesores, estudiantes, personas en definitiva, que la actividad musical requiere. Qué importante es poder olvidar nuestra persona para abrirnos a escuchar y reaccionar a toda la información y energía que nos llega de alrededor. Esta es para mi la clave de un buen músico de orquesta, sea cual sea su instrumento.

Últimamente estoy teniendo la oportunidad de pasar algún tiempo haciendo música desde la tarima del director, y he vuelto a experimentar aquellas sensaciones de mis primeros días como percusionista, donde uno tiene que adaptarse a todo, identificar sonidos, sensaciones internas, controlar sentimientos… ¡que alegría! Recibir el sonido de una orquesta sinfónica desde ‘el otro lado’ es interesantísimo, todo se ve y percibe distinto. Los percusionistas estamos acostumbrados a tratar con mucho mimo pequeños pasajes o intervenciones que duran apenas segundos, a buscar sonidos concretos que queremos probar y mejorar, buscar detalles en los detalles… para nada es una crítica, ¡que no acabe nunca esa actitud! Si menciono esto es para explicar un poco que la cantidad de información que se recibe desde allí arriba es tan grande que yo, este humilde director primerizo, todavía no alcanzo a gestionarla por completo. Lo que sí hacen estas situaciones es recordarme que después de hacer el viaje de búsqueda y las pruebas pertinentes, debemos siempre imponer la simplicidad y practicidad para que nuestras ideas se comprendan y funcionen de la mejor manera en servicio de la música.

A día de hoy, cuando tengo la suerte de poder dirigir, elijo la posición de tomar a la percusión (léase a los percusionistas) como mis aliadas/os. Intento no fijar mi atención mucho en lo que sucede en la fila de más atrás, dar libertad y confianza, ya que necesito mis sentidos para poder acostumbrarme a todo el volumen de información que recibo y que es más nuevo para mí. En la búsqueda de balance decido ahorrar esfuerzos en el campo que en principio más domino para para poder mejorar en otros. Estoy seguro que esta actitud que tomo ahora cambiará en el futuro si tengo la suerte de seguir aprendiendo. Con más experiencia podré manejar todo mejor, aunque esto no significa que no tenga mis apreciaciones y tome nota de ellas.

Algo de lo que sí me he dado cuenta es que soy mucho más abierto y considerado hacia lo que llega a mis oídos (sonidos, instrumentos, versiones) cuando dirijo, en relación a cuando estoy tocando. Muchas veces hacemos las cosas por inercia, como las aprendimos, o como las solemos hacer siempre. Prejuicios que muchas veces tenemos por experiencias que tomamos de los demás, de personas ajenas y no por las nuestras. La dirección ha acentuado, o al menos refrescado, esa actitud tan necesaria que es la autocrítica, pensar todo muchas veces, contrastar, debatir, compartir… y es que ¡hay tantas posibilidades! Hay muchos instrumentos que yo nunca utilizaría en mi lugar de trabajo, y que de repente me han sorprendido en un ensayo. Tipos de baquetas, parches… Es muy interesante y enriquecedor, y pienso que no hay verdades absolutas. Prueba de ello es la evolución constante que tienen los instrumentos. Y no solo los instrumentos, sino la utilización de los mismos.

Me gustaría lanzar una reflexión al viento, y es que no demos nunca nada por sentado. En ningún sentido. Y tomemos siempre la música que se está interpretando como máxima para tomar decisiones (más que si nos han enseñado de uno u otro modo). ¡Tomemos las partituras, interpretémoslas, equivoquémonos! Solo así se avanza y se mantiene la música viva. Y sobre todo, hagamos propuestas. No hay nunca un director de orquesta, un profesor o compañero de música de cámara al que le incomoden las propuestas. De hecho, siempre suele ser al contrario. Es la falta de propuestas lo que nos lleva a situaciones incómodas o poco creativas. Y, ¿quién es más creativo que alguien que consigue dotar a la música de su sentido pleno con platos, triángulos e instrumentos de lo más básico? ¡Sólo los buenos percusionistas!

Me gustaría poder escribir otro post en algunos años explicando cómo de fácil y llevadero es todo. Pero algo me dice que la música es todo menos eso, fácil. Por eso la queremos tanto y la disfrutamos, cada uno a nuestra manera.

Un placer poder dirigirme a todos vosotros y nos vemos por la red.

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A propósito de los modales y del xilófono

Xilófono Imagen histórica

El mítico director de orquesta Carlos Kleiber, en una carta a una joven directora americana que le solicitó consejo para orientar su carrera, se refería así a la técnica de dirección: “with a good technique, you can forget technique. If you know how to behave, you can misbehave. That’s fun! (At least, that’s my theory).”(Barber, 2011). Esta alusión a la técnica como paso previo y necesario es del todo aplicable, entre otras materias, a la que ahora nos atañe: la práctica y la didáctica instrumental. En concreto, nos centraremos en el estudio del xilófono. Este instrumento es uno de los que más problemas técnicos nos suele acarrear. Las desesperantes notas falsas que estallan inesperadamente son ocasionadas en su mayoría por imprecisiones que conviene prevenir. A continuación, repasaremos la producción didáctica dedicada al xilófono, donde podemos encontrar interesantes trabajos que nos orientarán en nuestra práctica diaria.

El primer documento musical dedicado al xilófono en occidente del que tenemos constancia, data de 1695. Giusepe Paradossi publica en Bolonia Modo facile di suonare il sistro, nomato il Timpanio, donde recoge danzas populares y otras melodías escritas en tablatura para un instrumento de doce láminas (Blades, 1984: 203-204). Pero, curiosidades históricas a parte, no es hasta principios del siglo XX cuando el uso del xilófono se populariza en Europa y en Estados Unidos con su introducción en la orquesta sinfónica. No menos importante es también su difusión en cabarets y otros locales de dudosa reputación, donde proliferan xilofonistas virtuosos que interpretan ragtimes a velocidades endiabladas. Ellos son los primeros en publicar métodos para la enseñanza del xilófono moderno, en escribir sus propias composiciones y en transcribir piezas clásicas adaptadas al instrumento.

George Hamilton Green fue la gran estrella del xilófono americano de esos años. A partir de 1926, empezó a publicar por fascículos, que se podían comprar por un dólar en los quioscos, su Instruction Course for Xylophone (Green, 1984 [1926]: 2). Para gran alegría de todos los alumnos de percusión, Randy Eyles y Garwood Whaley, recopilaron y editaron la publicación tal como la conocemos actualmente en los años ochenta, después de la muerte del autor. La secuenciación de contenidos está siempre tutelada por constantes consejos y recomendaciones de estudio (que lamentablemente casi nadie lee).

Escalas y arpegios, mecanismos mediante los cuales desgranamos nuestro sistema tonal para comprenderlo y poderlo aplicar en nuestro instrumento, son para el alumno a menudo pegajosos palabros que le persiguen desde los primeros días de clase. “So necessary, yet usually so uninteresting”, en palabras de George L. Stone (1949: 2). Su Mallet Control, escrito a semejanza de su hermanastro dedicado a la caja, detalla conceptos como el cruce de las baquetas, que no se trabajan en muchas publicaciones posteriores.

La publicación en 1950 del Modern School for Xylophone, Marimba and Vibraphone de Morris Goldenberg supone un cambio de mentalidad con el objetivo de ampliar las posibilidades musicales del xilófono y convertirlo en un instrumento “moderno”. A parte de una introducción técnica bastante completa y de unos magníficos estudios basados en problemas técnicos previos, su gran aportación es la preocupación por la musicalidad (Goldenberg, 2002 [1950]: 2). La reedición a cargo de Anthony Cirone añadiendo las ligaduras de fraseo completa el sentido de la obra. Elden Bailey sigue la línea iniciada por Goldenberg en su Calisthenics, repleto de consejos sobre cómo cuidar el fraseo en los ejercicios. Morris Lang, introduce en sus 14 Contemporary etudes la dodecafonía en la enseñanza del xilófono. En estos años, el xilófono era un habitual en la música de compositores como Britten, Messiaen o Boulez.

Otros destacados docentes americanos como Mitchell Peters o Garwood Whaley han enriquecido la producción didáctica para xilófono, aunque es el marimbista Gordon Stout quien, en su Ideo-khinetics, propone unos destacables ejercicios dedicados a mejorar la vista periférica. Consisten en practicar intervalos que se alejan o se acercan progresivamente a una nota de referencia. Otra notable contribución es la de Jack van Geem que realiza un análisis técnico de la introducción de la ópera Porgy and Bess de George Gershwin, en su Symphonic Repertoire for Keyboard Percussion.

Para interpretar estos pocos compases con los que todo percusionista ha soñado alguna vez (y no son sueños agradables por lo general), Van Geem dibuja la posición de las baquetas en cada compás (Van Geem, 2008: 32-33). Para terminar con el repaso a la producción americana, es imprescindible nombrar el reciente trabajo de Gene Koshinski, Two, donde a parte de unos ambiciosos estudios recoge un riguroso análisis de trascendentales cuestiones relacionadas con la técnica de láminas a dos baquetas. A partir de aquí nuevos recursos en internet, como blogs y páginas web, ayudan a la difusión de ideas. Destacan las aportaciones periódicas de Rob KnopperWilliam James y Lee Vinson.

Lamentablemente, la producción para xilófono a este lado del Atlántico ha sido bastante más limitada en cuanto a innovaciones didácticas se refiere. En Alemania, Peter Sadlo y su Hauptsache Mallets trabaja ejercicios de vista periférica influenciados por la escuela americana. En Francia, el incombustible Jacques Delécluse transcribe ejercicios para violín de Rodolphe Kreutzer y los aplica en el xilófono. Marcel Jorand hace lo propio en su Cramer-Xylo, donde adapta ejercicios del pianista Johann Baptist Cramer. Yvonne Desportes, con sus estudios de endiablada dificultad, exprime las posibilidades técnicas del instrumento al máximo y Guy Lacour asimila los modos de transposición limitada de Olivier Messiaen, muy en la línea iniciada por Morris Lang en los Estados Unidos. En España, en cuanto a publicaciones didácticas para láminas, Antonio Domingo destaca con su creativo Álbum para jóvenes.

Después de repasar las publicaciones más relevantes de entre las que conocemos, podemos resumir las principales características que hemos encontrado y debemos recordar en nuestro estudio diario de ejercicios y estudios:

  • Potenciar el fraseo y la musicalidad en nuestra práctica diaria.
  • Estudiar con metrónomo es imprescindible.
  • Controlar el agarre de las baquetas, vigilar su posición y movimiento.
  • Producir un sonido uniforme en teclas blancas y negras.
  • Concentrarse en mantener la relajación muscular y desplazarse de forma natural.
  • Conocer y practicar arpegios y escalas lo más diversas posibles, y de forma creativa.
  • Trabajar recursos técnicos como redobles, dobles notas, mordentes, doble golpe…
  • Explorar nuevos lenguajes armónicos en nuestros ejercicios.
  • Reservar tiempo para la improvisación.
  • Cuando se produzca un error (que seguramente, se producirá): investigar por qué ha sucedido y trabajar para solucionarlo.

Para terminar y recordando las palabras de Carlos Kleiber, debemos advertir que adquirir unos correctos “modales” técnicos no es fácil, ni rápido. Desde la perspectiva de un genio como Kleiber, suena hasta divertido la posibilidad de prescindir de ellos, pero para el común de los mortales, levantarse con unos buenos ejercicios técnicos es del todo recomendable y constructivo.

Referencias bibliográficas

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El aquí y ahora, lugar e instante donde colocar tu golpe

Mindfulness

¿Te ha ocurrido alguna vez que mientras estás repitiendo algún ejercicio o fragmento, después de un tiempo, no sabes cómo ni cuánto tiempo has estado practicando? ¿Has notado alguna vez, antes de una actuación (examen, audición, prueba, concierto…), que tu mente se acelera pensando en cosas negativas? ¿Puede que, después de una intervención, tu percepción sobre lo ocurrido y la de los que han estado escuchando haya sido completamente diferente? Si la respuesta a alguna de éstas preguntas es SÍ, quizá te pueda interesar lo que viene a continuación.

Te propongo un pequeño ejercicio mientras lees las siguientes líneas: desconecta tu teléfono móvil e intenta evitar otras fuentes que puedan llamar tu atención. Si en algún momento notas que te has distraído y que tu mente no está prestando atención a lo que estás leyendo, con suavidad y sin juzgarte por ello, vuelve tu atención a la lectura.

LOS RETOS DE UN PERCUSIONISTA Y EL MINDFULNESS

La ansiedad y el estrés son elementos que pueden manifestarse en situaciones que consideramos importantes, como una actuación, oposición, examen… Existe una extensa información acerca de cómo reacciona nuestro cuerpo ante una situación de estrés:

El estrés es una reacción a lo que sentimos en momentos no agradables. El cuerpo activa una serie de mecanismos (el aparato circulatorio, el aparato respiratorio, la piel y los músculos) y desactiva otros (el sistema inmune, el aparato reproductor y el aparato digestivo).

(Andrés Martín, 2008. “Con rumbo propio. Responder a situaciones de crisis.” Barcelona, Plataforma Editorial).

Mindfulness

Podemos encontrar varias herramientas que nos pueden ayudar a suavizar los efectos descritos anteriormente. La atención plena o Mindfulness puede cumplir éste papel: aportar recursos para superar los obstáculos provocados por la ansiedad y el estrés, y ayudarnos en el camino de la constante mejora que nos exige la vida profesional, proporcionando conocimientos, hábitos y un programa diseñado con ejercicios prácticos para adquirir habilidades que podrían tener una aplicación directa en las funciones de un percusionista. ¿Pero, qué es Mindfulness y cuales son sus efectos? Andrés Martín lo aclara en el artículo de este link.

SENTARSE Y NO HACER NADA PARA RENDIR MEJOR

El momento presente es el único instante en el que tenemos la oportunidad de intervenir sobre nuestras acciones. Para un percusionista, después de una espera (larga habitualmente), el instante de actuar exige una gran precisión que requiere mucha concentración: escuchar lo que está ocurriendo alrededor, mantener una correcta posición corporal y realizar un movimiento preciso en un espacio de tiempo muy puntual.

Sin embargo, es habitual que nuestra mente esté pensando en cuestiones acerca del pasado (antes o durante la actuación, pensando en fragmentos que no hemos ejecutado como habíamos planeado) o del futuro (pensando en algún ritmo, fragmento o melodía que nos produzca inseguridad y que no estamos seguros si lo ejecutaremos “correctamente”). Además de esto, y con el estilo de vida actual, es habitual que estemos rodeados de elementos de distracción como el teléfono móvil, que nos hace evadirnos del lugar y momento presente.

Mindfulness, sentarse y no hacer nada

Siendo conscientes de la importancia del alto grado de concentración que requiere una “correcta” ejecución, ¿por qué no invertir más tiempo en “sentarse y no hacer nada”? Aprovechando las largas esperas que nos brinda la profesión de percusionista, la quietud y la observación pueden convertirse en elementos poderosos para cultivar la calma y entrenar nuestra atención. No solo eso, con la práctica regular de ejercicios que plantea el Mindfulness, podríamos adquirir habilidades que nos podrían ayudar a mejorar la capacidad de atención, aumentar el rendimiento, reducir el nivel de estrés y mejorar la calidad de vida.

¿DONDE HA ESTADO TU MENTE?

Volviendo al ejercicio planteado al comienzo de éste artículo: ¿Podrías contar cuantas veces se ha distraído tu mente mientras leías estas líneas? ¿Podrías estimar cuánto han durado las distracciones? Quizá puede ser un buen momento para realizar pequeños cambios en tu vida que puedan llevarte a estar más presente en el aquí y ahora, pudiendo sentirte más realizado y satisfecho como percusionista y persona.

Por una vida plena de atención.

 

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Orchester-Probespiel

Orchester-Probespiel pruebas de orquesta alemana

Inscribirse en una audición de orquesta alemana

Cuando hace ya casi 10 años empecé a interesarme por academias de orquesta, principalmente en Alemania, me daba la sensación que hasta ese momento pocas personas que conocía habían andado ese camino. No sabía ni donde se publicaban las vacantes, ni cómo debía enviar mi solicitud, ni como funcionaban dichas audiciones. Cuando me acordé de aquello pensé que estaría bien que alguien con experiencia en este mundo, y sobre todo alguien que conozca las pruebas “desde dentro”, arroje algo de luz al tema.

Creo que hoy en día todo el mundo conoce la plataforma virtual www.muv.ac, donde podemos, con solo un click, inscribirnos a unas pruebas sin mayor papeleo. Esto, aunque se haya establecido rápidamente, no existía hasta hace relativamente poco tiempo y aún hay muchas orquestas que no anuncian sus plazas ahí; ni lo van a hacer en un futuro cercano, por la pinta que tienen. Por esto mismo sigue siendo igual de importante que conozcáis las otras plataformas existentes. Igual que www.musicalchairs.info anuncia muchas plazas a nivel internacional, existen muchos puestos de trabajo en Alemania que sólo son anunciados en www.vioworld.de o www.dasorchester.de. Creedme, merece la pena echar un vistazo ahí.

Una vez visualizado el anuncio seguro que vais a pensar: ¿por qué no pone fecha límite para enviar la solicitud? Pues bien, aunque pueda haber excepciones, una plaza se anuncia cuando queda libre y se deja de ofertar cuando alguien la ha ganado definitivamente; entre medias puede haber varias audiciones que hayan quedado desiertas, proyectos de prueba con candidatos que hayan llegado a la final en pruebas anteriores…¿Cómo sabemos entonces si aún estamos a tiempo de enviar la solicitud? Simplemente preguntando en las oficinas de la orquesta. En cualquier caso, muchas veces tampoco nos van a informar de la fecha de las mismas, así que no os queda otra que esperar a la invitación.

Ya tenemos una vacante localizada y vemos los documentos que se requieren como solicitud: “Unterlagen”, “übliche Unterlagen”…vamos, que no ayuda mucho. A no ser que especifique algo diferente, se suelen mandar dos cosas: una carta de presentación y un Currículum Vitae.

CUIDADO CON LA CARTA DE PRESENTACIÓN! No se trata de realizar un texto exponiendo las magníficas cualidades de las que disponéis y lo buenos músicos que sois (no seríais los primeros en hacerlo). Más bien se trata de un pequeño texto aclarando que estáis enviando vuestro CV porque estáis interesados en dicha plaza. Vamos, que es para que la persona que está en las oficinas abriendo el correo, sepa por qué alguien desde España le está mandando sus referencias y también en que plaza estáis interesados. Además, esta carta muchas veces no llega a manos de los percusionistas, y sinceramente, yo nunca me puse a leer ninguna.

Aquí viene quizás lo más importante: el Currículum Vitae. Me imagino que puede ser algo muy obvio para todos vosotros, pero nombrarlo nunca está de más: por favor, enviad un CV por puntos, y no un texto como lo haríais para un concierto (aunque aquí tampoco seríais los primeros en hacerlo). Puntos que debería de contener:

– Foto
– Datos personales: Nombre completo, edad, dirección de correo electrónico y número de teléfono.
– Formación: Estudios / Nombre del profesor / Conservatorio
– Experiencia orquestal: jóvenes orquestas, praktikums o academias, colaboraciones con orquestas profesionales, contratos temporales y plazas fijas
– Otros: aquí podéis incluir diversas actividades que penséis que puedan ser representativas de vuestra formación (música de cámara, festivales, conciertos de solista,…).

En estos tres últimos apartados sería importante indicar los años en los que se han realizado.

Os recomendaría escribir un CV que no excediese una carilla, ya que éste tiene que leerse rápidamente y se deben ver claramente los puntos relevantes. Ya sé que existe la tentación de querer contar todo lo que habéis hecho como músicos, pero seguramente la gran mayoría de esas cosas le van a importar poco al tribunal. Otro aspecto importante es incluir solo hechos demostrables y que avalen vuestra calidad: por ejemplo, que un periodista haya escrito una buena crítica sobre un concierto vuestro o que vuestro profesor os considere uno de los mejores percusionistas de vuestra generación, no tiene importancia alguna, ya que se trata solo de opiniones personales y subjetivas. Además, conozco a más de un colega mío que se tiraría de los pelos cuando, después de un par de horas y de haber leído unos 100 CV, aparece alguien enumerando los conciertos que ha hecho con su banda desde que tiene uso de razón. Mejor que no sea vuestro currículum el que tenga delante en ese momento…

En Alemania se dividen las orquestas según su plantilla: A (a partir de 99 músicos), B (66-98), C (56-65) y D (menos de 56). Se podría decir que a mayor número de plazas, mejores son los contratos y mejor es la calidad la orquesta, aunque esto no sea así siempre al 100%. Existen algunas orquestas como las de radio, Gewandhaus Leipzig, Berliner Philharmoniker… que no entran dentro de esta categorización. Aquí os dejo un link con todas las orquestas alemanas y su categoría.

En mi orquesta, igual que en muchas otras, se suelen invitar a unas 20 personas de media a una prueba; en general, se le concede a cada candidato el tiempo suficiente y la prueba no va a durar eternamente, pero por otro lado es más difícil recibir una invitación. Si estáis interesados en una orquesta A, seguramente solo vayáis a recibir una invitación si ya tenéis una plaza fija en otra orquesta. Por suerte se suele realizar también una pre-audición en la que, si os cualificáis, seréis invitados a la prueba principal. Recibir una invitación a una de estas pre-pruebas o no, va a depender de vuestra edad, de vuestros estudios y de la experiencia orquestal que tengáis.

Por último os recomendaría, a los que tengáis pensado hacer pruebas en Alemania, planeadlo con antelación. A veces es difícil recibir una invitación viniendo “desde fuera”; no es nada xenófobo, pero con tan pocas invitaciones por prueba, yo me lo pensaría más en ocupar un puesto con alguien del que desconozco totalmente sus referencias. Además no hay que olvidar la tradición y el sonido del que muchas orquestas están tan orgullosas. Por todo esto, el haber estudiado aquí o haber realizado un praktikum o academia puede ayudar, aunque no es imprescindible.

Espero que estas líneas hayan podido aclarar dudas y/o arrojar algo más de luz al mundo de las audiciones. Ahora quizás os estéis preguntando, ¿y qué pasa si me invitan? ¿cómo funciona entonces? Bueno, quizás esto sería un buen tema para el siguiente artículo…

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De los (Re)encuentros a las (Re)percusiones

Primer Encuentro Estatal Profesores Percusión

Primer Encuentro Estatal de Profesores de Percusión

Valencia, 10 y 11 de Marzo de 2018

Programa del Encuentro (pdf)

Sábado, nueve en punto de la mañana. En el vestíbulo del Conservatorio Superior de Música de Valencia no cesa el goteo de percusionistas que van llenando poco a poco el recinto y se van formando los primeros grupos. Corrillos de compañeros que tras un tiempo vuelven a confluir: apretón de manos, besos, abrazos, palmada a la espalda y risas… Muchos de los asistentes han realizado un largo viaje acto seguido de completar su jornada, sin ninguna ayuda oficial y todo para participar en un evento cuyo único fin es el de compartir experiencia musical y docente de forma totalmente altruista. Con profesionales capaces de realizar tal esfuerzo y de esta talla humana, no cabe duda que la enseñanza de la percusión en nuestro país tendrá un futuro prometedor.

Esta primera edición del Encuentro Estatal de Profesores de Percusión ha congregado a un total de 132 participantes procedentes de doce comunidades autónomas. Se ha organizado de forma desinteresada por parte de un colectivo de ocho profesores y con el patrocinio de doce empresas nacionales vinculadas a la venta, construcción o reparación de baquetas e instrumentos de percusión. Se han recogido más de cincuenta propuestas para desarrollar diferentes actividades, todas ellas de gran interés y sin ánimo de lucro. En esta edición se han podido celebrar seis comunicaciones, tres mesas redondas y un taller. La administración pública educativa ha cedido el espacio y ha certificado la participación de los asistentes. Podéis consultar toda la información relacionada con el Encuentro en el enlace al programa que figura bajo el título.

Sería de justicia poder citar en este artículo todas la personas que han hecho posible este encuentro, aunque la reducida extensión del texto lo impide. Pero, por otra parte, también convendría resaltar, por encima de los nombres propios, la unión que irradia nuestro colectivo. Aunque tantas veces los intereses particulares y los egos se han impuesto, en esta ocasión ha primado la reflexión conjunta y el intercambio de conocimientos. Esta es sin duda la clave para avanzar en la resolución de nuestros problemas y mejorar en nuestra labor, que no es otra que la de guiar a las nuevas generaciones de percusionistas de este país.

Reflexión ante las dificultades

Las principales problemáticas que aquejan a las tres etapas educativas que dividen nuestro sistema educativo musical, se trataron en otras tantas mesas redondas. La ordenación colectiva o individual de las Enseñanzas Elementales centró gran parte del debate, debido a las diferencias legislativas que existen entre comunidades autónomas. Así como también se expresó la preocupación por la posible desaparición del Elemental de los conservatorios, tal como algunas administraciones autonómicas han llegado a plantear.

La mesa redonda de Enseñanzas Profesionales destacó por abordar las dificultades materiales que se afrontan en el aula de percusión, así como también la gran carga horaria que padece el alumnado en esta etapa. El reto de un verdadero aprovechamiento de las tecnologías en la enseñanza de la percusión, el grupo de percusión como cohesionador del aula y la posible implantación de itinerarios especializados fueron otros de los temas que salieron a relucir.

La especialización en el currículum siguió siendo un tema relevante en la mesa redonda de Enseñanzas Superiores. También se dieron pautas sobre cómo abordar las pruebas de acceso al Superior. Pero sin duda, la mayor preocupación que acecha a los percusionistas que concluyen sus estudios es la escasez de oportunidades laborales. Un reto mayúsculo que centró el final del debate y que abre grandes interrogantes en el planteamiento general de la enseñanza musical de nuestro país.

Propuestas e ideas

Afortunadamente, no sólo los quebraderos de cabeza y el quejío general fueron los protagonistas del Encuentro. Hubo tiempo también para exponer metodologías y proyectos de presente y de futuro. La percusión corporal fue la protagonista de un divertidísimo taller lleno de movimiento y dinamismo, de los que multiplican la ilusión por aprender en alumnos y profesores. Siguiendo esta línea, en las breves comunicaciones se expusieron diferentes herramientas de trabajo destinadas a dar vida a nuestras aulas.

Así pues, la improvisación fue la protagonista en diversas exposiciones, mostrando las tremendas posibilidades musicales, educativas y lúdicas de una de las grandes olvidadas durante décadas en los conservatorios. Y es que hay que hacer un esfuerzo para combinar en la misma frase innovación y conservatorio… En pro de quitar caspa al palabro, se ofrecieron propuestas centradas en conocer las posibilidades de la tecnología aplicadas a la enseñanza musical, en introducir la música de raíz popular en el aula, en mejorar la comunicación entre conservatorios y en conocer metodologías de trabajo que generen un conocimiento musical más completo y profundo en el alumno.

Retos para el futuro

A pesar de que el domingo nos fuimos cansados pero satisfechos a casa, hoy lunes todo sigue estando por cambiar. Las nuevas experiencias y reflexiones son un aliciente indispensable en nuestro trabajo y aplicaremos en nuestros alumnos mucho de lo que en el Encuentro se ha compartido. Pero generar cambios más profundos requiere de dos premisas de las que aquí se ha sentado su base: unión y continuidad.

Intentar mejorar currículums, dotaciones y condiciones de enseñanza/aprendizaje en unas administraciones repletas de burocracia y que se mueven con desesperante lentitud no va a ser fácil. Por ello, la constitución de grupos de trabajo para comparar resultados y extraer conclusiones será indispensable. Trabajar juntos no debe ser una excepción, y esta afinidad tiene que ser el camino mismo. Por tanto, la propuesta de un nuevo encuentro no debería perderse en el horizonte y continuar así con esta cooperación que no puede generar más que beneficio mutuo. Entre tanto, compañeros y compañeras, gracias.